Benvenuti a Backstage Pass, la nostra nuovissima serie di interviste che vi porterà dietro le quinte con alcune delle figure più influenti dell'industria musicale. Nella prima sessione abbiamo avuto il piacere di parlare con Jordan Rudess, uno dei tastieristi più completi e innovativi del nostro tempo.
Jordan Rudess è un virtuoso tastierista, pianista e compositore noto soprattutto per il suo lavoro con la band progressive metal Dream Theater, il supergruppo Liquid Tension Experiment, nonché per il suo prolifico lavoro da solista e le collaborazioni con altri artisti. È rinomato per la sua brillante tecnica, le incredibili capacità di improvvisazione e l'approccio unico al sound design, che gli sono valsi un Grammy Award e una miriade di fan in tutto il mondo.
In questa intervista esclusiva, Jordan condivide le sue intuizioni sul suo processo creativo, sui suoi strumenti e software preferiti e sulle sfide e i vantaggi di essere un musicista itinerante nell'era digitale. Quindi sedetevi, rilassatevi e preparatevi a entrare nel backstage del mondo di Jordan Rudess.
Moises: Possiamo iniziare con qualcosa che hai vissuto o imparato alla Juilliard School of Music e che non dimenticherai mai?
Jordan Rudess: Ho iniziato a frequentare la sezione preparatoria della Juilliard quando avevo nove anni. Sono rimasto lì per circa dieci anni e non importa che tipo di musica faccio ora - che sia rock, elettronica, classica o jazz - l'esperienza alla Juilliard mi ha formato.
In questo modo ho imparato a esercitarmi, a essere paziente e a riflettere sulle cose. È stata dura, ma sono grato per l'opportunità che mi è stata offerta e la considero una delle cose più importanti che mi hanno aiutato ad affrontare il futuro. Ancora oggi, mentre imparo a suonare la chitarra, rifletto sulla formazione ricevuta alla Juilliard e su come ha influenzato il mio approccio alla musica.
M: Qual è la tua routine di pratica quotidiana o in tour?
JR: La mia routine quotidiana varia a seconda che mi stia preparando per un tour o meno. Quando mi preparo per un tour, mi concentro intensamente sulla musica perché devo essere completamente preparato per il palco. Per me esercitarmi non significa solo suonare le note, ma anche esercitarmi su come voglio sentirmi quando suono, come ad esempio essere calmo e rilassato.
Quando sono partito per l'attuale tour dei Dream Theater, ho salutato molti dei miei preziosi strumenti, come il mio pianoforte Steinway o la mia nuova tastiera Osmose Expressive E, perché, sai, alcune delle cose che mi piacevano fare a casa non fanno parte di ciò che faccio in viaggio. L'altra cosa che mi capita di fare in viaggio è di suonare a un concerto e poi mi rendo conto che è andato bene, ma forse non è stato così piacevole. Allora prendo appunti, torno indietro e mi siedo nel mio camerino - ho una piccola tastiera per esercitarmi nel camerino - e lo rivedo, mi siedo lì e mi assicuro di avere quelle parti insieme.
Quando non mi preparo per un tour, mi capita di suonare solo per il piacere di farlo, traducendo i pensieri musicali che ho in mente tramite le dita. Oggi mi esercito più con la chitarra che con la tastiera, perché mi offre una nuova prospettiva e mi aiuta ad acquisire maggiori capacità. Credo che esercitarsi sulla sensazione di suonare sia importante quanto esercitarsi sulle note. Ad esempio, quando mi siedo alla tastiera dopo aver suonato la chitarra e guardo la tastiera, la mia visione cambia, ed è davvero molto bello.
Ma la cosa più importante che mi piace condividere con i giovani musicisti riguardo alla pratica è che quest'ultima non consiste solo nel suonare le note e il motivo e, insomma, nel capire la diteggiatura e nel farlo ancora e ancora e ancora. Nulla di tutto ciò. Una volta capite le basi e le dita da mettere sui tasti della chitarra o del pianoforte o del violino o di qualsiasi altro strumento, bisogna esercitarsi su come ci si sente quando si suona. Perché se non ti eserciti a capire le sensazioni che proverai quando suonerai un passaggio difficile, è probabile che quando sarai di fronte a un pubblico, ai tuoi compagni di classe, e suonerai per qualcun altro, e ci sarà pressione, crollerai.
M: Com'è composta la tua strumentazione?
JR: È tutta una questione di massimizzare il potenziale di uno o due strumenti. Non mi piace avere un mucchio di tastiere con suoni diversi; preferisco immergermi in una potente workstation synth. Per me si tratta del Korg Kronos, che è responsabile di circa il 95% del mio suono. So come programmarlo e uso le sue capacità di sintesi al massimo. Campiono anche suoni provenienti da altre fonti, come il mio picchiettare su un bicchiere o la manipolazione di uno strumento virtuale preferito nel Kronos.
Un altro motivo per cui rimango fedele a un solo strumento è di natura musicale. Quando i tastieristi si muovono su tastiere diverse, possono interrompere il flusso della loro esecuzione, quindi uso un pedale per passare da una combinazione di suoni all'altra sul Kronos senza sollevare le mani dalla tastiera. Questo mi permette di suonare in modo fluido e di ottenere i suoni che voglio senza distrazioni. Durante uno spettacolo tipico, faccio circa 400 cambi di suono, tutti con il mio fidato Kronos.
M: Che cosa ti crea difficoltà nella musica?
JR: Come musicista, credo sia importante riconoscere i nostri limiti e costruire un vocabolario musicale di cose che possiamo fare. Ho studiato certe cose e imparato diversi riff che sono diventati come le mie parole, il mio linguaggio musicale. Tuttavia, c'è un punto di arresto nel mio vocabolario, e mi vengono sempre offerti altri modi di guardare alla musica da tutto il mondo.
Ad esempio, l'app della mia azienda si chiama GeoShred, che ho inventato con i miei partner dell'Università di Stanford. Pensavo che offrisse alle persone un nuovo approccio al pitch bending, ma poi ho visto persone in India che lo suonavano per la musica carnatica e controllavano l'intonazione in un modo che io non sono in grado di fare.
Cerco sempre di imparare e crescere, ma a volte è faticoso, come imparare a suonare la chitarra dopo aver suonato il pianoforte per 59 anni. Tuttavia, la pazienza è essenziale quando si impara qualcosa. È come imparare una nuova lingua, cosa che apprezzo perché non è facile e probabilmente è un'impresa, ma dobbiamo essere disposti a percorrere queste strade e ad accettare gli altri.
M: Qual è la tua funzione preferita dell'App Moises?
JR: È difficile scegliere una sola funzione preferita dell'app Moises, perché è la loro combinazione a renderla straordinaria, ma se dovessi proprio scegliere, direi che lo Metronomo Intelligente è davvero incredibile. Quando carico un file audio, l'app calcola il ritmo senza che io gli dica i BPM e non ha mai commesso errori. Inoltre, posso dimezzare o raddoppiare il tempo e scegliere un metronomo che suoni insieme alla musica appena caricata. È davvero intelligente e innovativo.
Ma non è tutto. La funzione Separazione audio con IA è un miracolo di per sé. Dopo aver separato le tracce, posso bilanciare il volume di ogni strumento con il proprio cursore. E a volte dimentico che l'app visualizza anche gli accordi perfettamente a tempo. Mi facilita molto le cose, soprattutto quando voglio fare dei duetti virtuali. Non devo scrivere nulla, mi basta guardare gli accordi sullo schermo.
Nel complesso, ritengo che l'interfaccia dell'applicazione sia molto chiara e intuitiva. È emozionante vivere in un'epoca in cui la tecnologia musicale è così avanzata e mi sveglio ogni giorno desideroso di esplorare le incredibili novità che Moises ha da offrire.
M: Puoi dirci qual è stato l'ultimo artista o genere che hai riprodotto su Moises? Perché lo hai scelto?
JR: L'ultima cosa che ho messo su Moises è stata una canzone di Jeff Beck. È stato interessante perché non ha la voce, giusto? Quindi è stato un po' un test per la funzione separation. La cosa più diretta da fare è prendere la voce, il basso, la batteria, il pianoforte, e sono riuscito a usarlo come strumento perché sono riuscito a rallentarlo e a togliere molto di quello che mi serviva, la parte principale che volevo fosse rimossa.
Per quanto riguarda la realizzazione di qualcosa che volevo presentare al pubblico, si trattava di una traccia di Matthews Pelli, che ha funzionato incredibilmente bene. A volte, infatti, ci si chiede: "Wow, come fa a farlo?". Anche se mi è stato spiegato un po' come fa, voglio comunque saperne di più, come se tu inviassi il tuo audio, poi i maghi prendono una bacchetta magica e la agitano sul file e poi te lo rimandano indietro e lui lo fa. Penso che sia così che si fa.
M: Quali sono i tuoi ricordi più belli legati al lavoro nel mondo della musica?
JR: Ricordo con molto affetto i miei amici alla Juilliard. Andavo letteralmente di nascosto in una sala prove il più lontano possibile dallo studio del mio insegnante perché volevo suonare non solo musica classica, ma anche blues, boogie-woogie e jazz.
Quando avevo circa 13 o 14 anni, qualcuno venne alla Julliard School a cercare pianisti per un'audizione per uno spot televisivo dei cerotti Johnson & Johnson. Il presidente della Juilliard ne parlò al mio insegnante e io e i miei genitori andammo all'audizione. Quando arrivai, vidi circa 70 ragazzi attori e alcuni della Julliard. Mi chiesero di suonare un brano musicale e di renderlo drammatico perché avevo i capelli lunghi. Ho suonato un arrangiamento del concerto per pianoforte di Grieg e ho vinto l'audizione, battendo tutti i ragazzi attori.
Ho trascorso un giorno in studio di registrazione suonando il pianoforte e il giorno successivo al Plaza Hotel per le riprese nella grande sala da ballo, indossando il frac davanti a un pianoforte di tre metri sul palco della grande sala da ballo. L'intera esperienza è stata molto divertente. Lo spot è uscito e la gente l'ha visto. È disponibile su YouTube.
Entrare a far parte dei Dream Theater è stato un passo importante che mi ha aperto il mondo, perché abbiamo suonato in molti posti in tutto il mondo, ampliando la mia rete di amicizie ed esperienze. Negli anni in cui ho suonato con i Dream Theater, ho incontrato così tanti amici e fatto così tante esperienze in giro per città interessanti. È stato davvero fantastico e credo che, per quanto riguarda i ricordi, le cose più facili da tenere a mente siano gli spettacoli più grandi, quelli davvero emozionanti.
È davvero potente. Voglio dire, abbiamo appena suonato al Rock in Rio in Brasile ed è stato incredibile. Non so quanta gente ci fosse, circa 80.000 persone. Il posto era completamente pieno di gente. E l'impeto, la sensazione di energia travolgente della folla quando sali sul palco, ti fa quasi passare la voglia di suonare. Ci vuole molta esperienza per non bloccarsi, ed è per questo che parlavo di esercitarsi sullo stato d'animo in cui si vuole stare, perché quella sensazione potrebbe farvi irrigidire e impedirvi di fare quello che dovete fare.
M: Come vuoi essere ricordato da musicista?
JR: La cosa più importante per me è che la musica che faccio venga dal cuore. Suono molti generi musicali diversi, molta tecnica, progressive, tutti generi diversi, ma quando suono e qualcuno sente qualcosa che gli è molto caro, che scalda il suo essere o il suo cuore, che lo rilassa, o che semplicemente vive un'esperienza davvero positiva... Questo è ciò che voglio portare.
Cioè, potrebbe essere il lato rock di ciò che faccio, o qualcosa al pianoforte, in cui sto solo pensando e la musica sgorga. Voglio che la gente lo porti con sé. Naturalmente, come musicista, ci sono cose che mi lascio alle spalle. Ad esempio, le registrazioni che faccio. Se riuscirà a toccarli, se riuscirà a scaldare la loro anima o il loro essere e si ricorderanno di me per questo, allora sarò davvero felice.
M: Basic vs Bold?
JR: Quando si tratta di suonare, credo che sia sempre possibile creare un bel suono, indipendentemente dalle capacità tecniche di ciascuno. Incoraggio i principianti a concentrarsi sulla creazione di un bel suono e non cercare di suonare qualcosa di troppo difficile per loro. Suonare accordi semplici con intenzione e concentrazione può produrre un risultato davvero piacevole dal punto di vista musicale e può essere un'esperienza rilassante per l'esecutore e l'ascoltatore.
Tuttavia, anche se suonare in modo sicuro può essere una buona cosa, non possiamo sempre farlo se vogliamo crescere e imparare. Nella vita, dobbiamo essere disposti ad affrontare le difficoltà e ad aprirci a nuove esperienze. La lotta non deve essere necessariamente dolorosa, ma richiede pazienza e volontà di imparare senza frustrazioni.
Personalmente, sto lavorando su una tecnica chitarristica impegnativa che prevede arpeggi a tre ottave e che richiede molta pazienza e impegno. Ma con il tempo e la pratica, so che potrò migliorare e alla fine padroneggiarla. In generale, credo che produrre buona musica richieda un equilibrio tra il giocare d'anticipo e lo spingersi a imparare e crescere.
Siete curiosi di ascoltare l'intervista completa a Jordan Rudess? Guardate qui sotto o sul nostro canale Youtube!
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