Bienvenido a Backstage Pass, nuestra nueva serie de entrevistas que te lleva entre bastidores con algunas de las figuras más influyentes de la industria de la música. En nuestra primera sesión, tuvimos el placer de charlar con Jordan Rudess, uno de los teclistas más exitosos e innovadores de nuestro tiempo.
Jordan Rudess es un virtuoso tecladista, pianista y compositor mejor conocido por su trabajo con la banda de metal progresivo Dream Theater, el supergrupo Liquid Tension Experiment, así como su prolífico trabajo en solitario y colaboraciones con otros artistas. Es conocido por su técnica deslumbrante, increíbles habilidades de improvisación y un enfoque único para el diseño de sonido, que le han valido un premio Grammy y una legión de fans a nivel mundial.
En esta entrevista exclusiva, Jordan nos comparte ideas sobre su proceso creativo, su equipo y software favoritos, además de los desafíos y recompensas de ser un músico de gira en la era digital. Así que siéntate, relájate y prepárate para disfrutar de un pase entre bastidores al mundo de Jordan Rudess.
Moises: ¿Qué tal si comenzamos con algo que experimentaste o aprendiste en la Juilliard School of Music que nunca olvidarás?
Jordan Rudess: Comencé a asistir a la academia Juilliard cuando tenía nueve años. Allí estuve por unos diez años y no importa qué tipo de música haga actualmente, ya sea rock, electrónica, clásica o jazz, la experiencia en Juilliard me preparó para ello.
Me enseñó cómo practicar, ser paciente y pensar las cosas. La Academia era muy estricta, pero estoy agradecido por la oportunidad y la considero una de las cosas más importantes que me prepararon para el futuro. Incluso ahora, a medida que aprendo a tocar la guitarra, reflexiono sobre la formación que recibí en Juilliard y cómo dio forma a mi enfoque de la música.
M: ¿En qué se basa tu rutina de práctica diaria en contraste con la de tus giras?
JR: Mi rutina diaria de práctica varía dependiendo de si me estoy preparando para una gira o no. Cuando me preparo para una gira, me concentro intensamente en la música porque necesito estar completamente enfocado y preparado para el escenario. Practicar para mí no se trata solo de tocar las notas, sino también de practicar cómo quiero sentirme cuando toco, como estar tranquilo y relajado.
Cuando me fui para esta gira actual de Dream Theater, me despedí de muchos de mis preciados instrumentos como mi piano Steinway o mi nuevo teclado Osmose Expressive E porque, como entenderás, algunas de las cosas que estaba disfrutando haciendo en casa no van a ser parte de lo que hago mientras estoy de gira. Por lo menos para mí, otro aspecto que hace de la practica algo necesario que debo evitar mientras estoy en la carretera, es cuando “Voy a tocar en un show y luego me doy cuenta de que, está bien, bueno, salió bien, pero tal vez no sé, no se siente del todo bien, pudo ser mejor”. Así que tomo notas y vuelvo y me siento en mi camerino, tengo un pequeño teclado de práctica, lo reviso y me siento allí y me aseguro de tener todo esto en orden.
Cuando no me estoy preparando para una gira, podría tocar solo por la alegría de hacerlo, traduciendo mis pensamientos musicales en mi mente a través de mis dedos. Hoy en día estoy practicando más guitarra que el teclado, ya que ofrece una nueva perspectiva y me ayuda a adquirir más habilidades. Considero que practicar los sentimientos que siento al tocar es tan importante como practicar las notas. Como cuando me siento al teclado después de tocar la guitarra y miro el diapasón, mi visión cambia por completo, es realmente genial.
Sin embargo, lo más importante que me gusta compartir con los músicos jóvenes sobre la práctica es que esta no se trata solo de tocar las notas y seguir el patrón y, ya sabes, ver cómo funciona la digitación y hacerlo una y otra vez. Aunque no se trata de eso en absoluto. Realmente tiene que ver con que una vez que descubres lo básico y qué dedos quieres poner en la nota de la guitarra o el piano o el violín o lo que sea, es entonces cuando tienes que practicar cómo quieres sentirte cuando estás tocando. Porque a menos que practiques ese sentimiento que vas a tener cuando estás en acción, por ejemplo, un pasaje difícil, es bastante probable que cuando estés frente a una audiencia, frente a tus compañeros de clase, tocando para otra persona, y sientas alguna presión, te derrumbarás.
M: ¿Cómo se ve tu setup?
JR: El punto es maximizar el potencial de uno o dos instrumentos. No me gusta tener un montón de teclados con diferentes sonidos; prefiero sumergirme profundamente en una poderosa estación de trabajo de sintetizador. En mi caso, ese es el Korg Kronos, el cual es responsable de aproximadamente el 95% de mi sonido. Sé cómo programarlo y usar sus capacidades de síntesis al máximo. Incluso muestreo sonidos de otras fuentes, como tocar un vaso o manipular un instrumento virtual.
Otra razón por la que prefiero un sólo instrumento es meramente musical. Cuando los teclistas rebotan en diferentes teclados, puede interrumpir el flujo de la interpretación, es por eso que uso un pedal para cambiar entre diferentes combinaciones de sonidos en el Kronos sin levantar las manos del teclado. Permitiéndome tocar sin ningún inconveniente y obtener los sonidos que quiero sin distracciones. En un show normal, estaría haciendo unos 400 cambios de sonido, todos desde mi fiel Kronos.
M: ¿Contra qué luchas en la música?
JR: Como músico, creo que es importante reconocer nuestras limitaciones y construir un vocabulario musical de las cosas que podemos hacer. He practicado ciertos elementos y he aprendido diferentes riffs que se parecen a mis palabras, a mi lenguaje musical. Sin embargo, hay un punto de parada en todo esto, y continuamente estoy siendo dotado con otras formas de ver la música de todo el mundo.
Por ejemplo, la aplicación de mi empresa se llama GeoShred, creada junto a mis socios en la Universidad de Stanford. Pensé que ofrecía a la gente un nuevo enfoque para Pitch bend, pero luego vi que personas de la India tocaban música carnática controlando el tono de una manera que yo no puedo hacer.
Siempre estoy tratando de aprender y crecer, pero a veces es una lucha, como aprender a tocar la guitarra después de tocar el piano durante 59 años. No obstante, ser paciente es esencial a la hora de aprender cualquier cosa. Es como aprender un nuevo idioma, lo cual aprecio porque no es fácil, y probablemente sea una lucha, pero tenemos que estar dispuestos a seguir estos caminos y aceptar a los demás.
M: ¿Cuál es tu característica favorita en la aplicación Moises?
JR: Es difícil elegir solo una característica favorita porque la combinación de todas es lo que la hace increíble, pero si tuviera que elegir una, diría que el Metrónomo Inteligente es bastante buena. Cuando subo un archivo de audio, la aplicación resuelve el ritmo sin que yo le diga ningún BPM, nunca la he visto cometer un error. Además, puedo reducir el tiempo a la mitad o duplicarlo y elegir un metrónomo para reproducir junto con la música que acabo de subir. Es realmente inteligente e innovador.
¡Pero esto no es todo! La función de Separación de Audio por IA es un milagro por sí sola. Después de separar las pistas, puedo equilibrar el volumen de cada instrumento con su propio control deslizante. A veces me olvido de que la aplicación también muestra los acordes perfectamente a tiempo. Hace que el trabajo sea mucho más fácil para mí, especialmente cuando quiero hacer duetos virtuales. No tengo que escribir nada, solo visualizo los acordes en la pantalla.
En general, considero que la interfaz de usuario de la aplicación es muy clara e intuitiva. Es emocionante vivir en una época de tecnología musical tan avanzada. Todos los días me despierto con ganas de explorar lo increíble que Moises tiene para ofrecer.
M: ¿Podrías compartir el último artista o género con el que tocaste usando Moises? ¿Por qué decidiste escoger esta opción?
JR: Lo último que subí a Moisés fue una canción de Jeff Beck. Es bastante interesante porque es instrumental. Así que fue como una pequeña prueba para la separación. Lo más normal es conseguir las voces, el bajo, la batería, el piano, y la herramienta me permitió hacerlo. Pude reducir la velocidad y extraer mucho de lo que necesitaba, y eliminar el resto.
En cuanto a hacer algo que quería presentar al público, llevé a cabo una pista de Matthews Pelli, que funcionó increíblemente bien. Fue ese tipo de momento donde solo dices ¡Guau! ¿Cómo hizo eso? A pesar de que ya me habían dicho un poco sobre el proceso, todavía quiero saber más. Es como si enviaras tu audio, luego los magos toman una varita mágica y la agitan sobre el archivo y para después enviarlo de vuelta. Creo que así es como se hace.
M: ¿Cuáles son algunos de tus recuerdos favoritos de trabajar en la música?
JR: Recuerdo a mis amigos de Juilliard con mucho cariño. Literalmente me escabullía a una sala de práctica lo más lejos posible del estudio de mi maestro porque quería tocar no solo música clásica, quería ir a tocar blues, boogie-woogie y jazz.
Cuando tenía alrededor de 13 o 14 años, alguien vino a la Escuela Juilliard en busca de pianistas para adicionar para un comercial de televisión sobre las banditas de Johnson & Johnson. El presidente de Juilliard se lo contó a mi maestro, así que mis padres y yo asistimos a la audición. Cuando llegué, vi a unos 70 actores infantiles y algunos de Juilliard. Me pidieron que tocara una pieza y que lo hiciera de forma dramática porque tenía el pelo largo. Toqué un arreglo del concierto para piano de Grieg y gané la audición, superando a todos los niños.
Pasé un día en el estudio de grabación tocando el piano y al día siguiente en el Hotel Plaza filmando en el gran salón de baile, frente a un piano de nueve pies con mi traje de colas. En su totalidad esta experiencia fue enriquecedora. El comercial salió al aire, así que mucha gente debió haberlo visto. Está disponible en YouTube
Unirme a Dream Theater fue un paso significativo que abrió mi mundo, ya que tocamos en muchos lugares, expandiendo mi red de amigos y experiencias. A lo largo de los años con Dream Theater, terminé por conocer a muchos amigos y por tener increíbles experiencias caminando por ciudades interesantes. Ha sido realmente impresionante y supongo que en lo que respecta a los recuerdos, lo más fácil de recordar son los shows más grandes, los que fueron realmente, realmente emocionantes.
Es tan poderoso. Quiero decir, acabamos de tocar en el Rock in Rio en Brasil y eso fue increíble. No sé cuántas personas estaban allí, como 80.000 personas. El lugar estaba completamente lleno hasta donde se puede ver en cualquier dirección. Y la prisa, ese tipo de sensación de energía abrumadora de la multitud cuando caminas en el escenario, casi te hace incapaz de tocar. Se necesita mucha experiencia para no congelarse, y es por eso que estaba hablando de practicar tu estado mental porque ese sentimiento podría generarte tensión, y frenarte a hacer lo que realmente tienes que hacer.
M: ¿Cómo quieres ser recordado como músico?
JR: Lo más importante para mí es que la comunicación musical que hago viene del corazón. Toco muchos tipos diferentes de música, mucha música técnica, música progresiva, todo tipo de géneros, pero cuando toco y alguien siente algo que es muy querido para ellos, calienta su ser o su corazón, los relaja, o simplemente tienen una experiencia realmente positiva... Esa sensación es la que quiero que perdure en el tiempo.
Quiero decir, podría ser el lado rock de lo que hago, o podría ser algo que muestre en el piano donde solo estoy pensando y la música está fluyendo. Quiero que la gente lleve eso con ellos. Por supuesto, como músico, hay cosas que dejaré atrás. Ya sabes, las grabaciones que hago. Si puede tocarlos, si puede calentar su alma o su ser y me recuerdan por eso, entonces seré realmente feliz.
M: ¿Básico vs. Audaz?
JR: Cuando se trata de tocar música, creo que siempre es posible crear un sonido hermoso sin importar cuál sea la capacidad técnica de la persona. Animo a todos los principiantes a centrarse en hacer un sonido agradable y no tratar de tocar algo que sea demasiado difícil para ellos. Tocar acordes simples con intención y enfoque puede producir un resultado musical realmente agradable y puede ser una experiencia calmante para el que toca y para el que escucha.
Sin embargo, aunque tocar a lo seguro puede ser algo bueno, no siempre podemos hacerlo si queremos crecer y aprender. En la vida, tenemos que estar dispuestos a enfrentar las luchas y estar abiertos a nuevas experiencias. La lucha no tiene que ser dolorosa, pero requiere paciencia y la voluntad de aprender sin frustrarse.
Personalmente, estoy trabajando en estos momentos en una técnica de guitarra desafiante que involucra arpegios de tres octavas, algo que me está exigiendo mucha paciencia y esfuerzo. Pero con el tiempo y la práctica, sé que puedo mejorarlo y, finalmente, dominarlo. En general, creo que crear música hermosa requiere un equilibrio entre tocarla de forma segura y esforzarnos por aprender y crecer.
¿Tienes curiosidad por escuchar la entrevista completa con Jordan Rudess? ¡Échale un vistazo a continuación o en nuestro canal de YouTube!
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