Willkommen bei Backstage Pass, unsere brandneue Interview-Serie, die Sie hinter die Kulissen einiger der einflussreichsten Persönlichkeiten der Musikindustrie führt. In unserer ersten Sitzung hatten wir das Vergnügen, mit Jordan Rudess zu sprechen, einem der erfolgreichsten und innovativsten Keyboarder unserer Zeit.
Jordan Rudess ist ein virtuoser Keyboarder, Pianist und Komponist, der vor allem durch seine Arbeit mit der Progressive-Metal-Band Dream Theater, der Supergruppe Liquid Tension Experiment sowie durch sein produktives Solowerk und die Zusammenarbeit mit anderen Künstlern bekannt ist. Er ist bekannt für seine umwerfende Technik, seine unglaublichen Improvisationsfähigkeiten und seine einzigartige Herangehensweise an das Sounddesign, die ihm einen Grammy Award und eine Schar von Fans weltweit eingebracht haben.
In diesem exklusiven Interview gibt Jordan Rudess Einblicke in seinen kreativen Prozess, seine Lieblingsausrüstung und -software sowie die Herausforderungen und Belohnungen eines tourenden Musikers im digitalen Zeitalter. Lehnen Sie sich also zurück, entspannen Sie sich und machen Sie sich bereit für einen Backstage-Pass in die Welt von Jordan Rudess.
Moises: Können wir mit etwas beginnen, das Sie an der Juilliard School of Music erlebt oder gelernt haben und das Sie nie vergessen werden?
Jordan Rudess: Ich besuchte die Juilliard-Vorbereitungsabteilung, als ich neun Jahre alt war. Ich blieb dort für etwa zehn Jahre und es spielt keine Rolle, welche Art von Musik ich jetzt mache - ob Rock, Elektronik, Klassik oder Jazz - die Erfahrung in Juilliard hat mich geprägt.
Das hat mich gelehrt, zu üben, geduldig zu sein und die Dinge zu durchdenken. Es war streng, aber ich bin dankbar für diese Gelegenheit und betrachte sie als eine der wichtigsten Voraussetzungen für meine Zukunft. Selbst jetzt, da ich Gitarre spielen lerne, denke ich über die Ausbildung in Juilliard nach und darüber, wie sie meinen Zugang zur Musik geprägt hat.
M: Wie sieht Ihre tägliche Trainingsroutine im Vergleich zur Tournee aus?
JR: Meine tägliche Übungsroutine variiert je nachdem, ob ich mich auf eine Tournee vorbereite oder nicht. Wenn ich mich auf eine Tournee vorbereite, konzentriere ich mich intensiv auf die Musik, denn ich muss für die Bühne bestens vorbereitet sein. Beim Üben geht es für mich nicht nur darum, die Noten zu spielen, sondern auch darum, zu üben, wie ich mich fühlen möchte, wenn ich spiele, z.B. ruhig und entspannt.
Als ich zu dieser aktuellen Dream Theater-Tournee aufbrach, habe ich mich von vielen meiner wertvollen Instrumente verabschiedet, wie z.B. von meinem Steinway-Klavier oder meinem neuen Osmose Expressive E-Keyboard, denn einige der Dinge, die ich zu Hause gerne gemacht habe, kann ich auf der Tournee nicht mehr spielen. Eine andere Sache, die mir beim Üben unterwegs passiert, ist, dass ich eine Show spiele und dann feststelle, dass es zwar gut gelaufen ist, ich mich aber vielleicht nicht so wohl fühle. Also mache ich mir Notizen, gehe zurück und setze mich in meine Garderobe - ich habe ein kleines Übungs-Keyboard in der Garderobe - und gehe alles noch einmal durch und sitze dort und stelle sicher, dass ich diese Teile zusammen habe.
Wenn ich mich nicht gerade auf eine Tournee vorbereite, spiele ich vielleicht einfach aus Spaß an der Freude und übertrage die musikalischen Gedanken in meinem Kopf auf meine Finger. Heutzutage übe ich mehr auf der Gitarre als auf dem Keyboard, da es mir eine neue Perspektive bietet und mir hilft, mehr Fähigkeiten zu erwerben. Ich glaube, dass das Üben des Gefühls beim Spielen genauso wichtig ist wie das Üben der Noten. Wenn ich z.B. nach dem Gitarrenspiel am Keyboard sitze und auf das Griffbrett schaue, verändert sich meine Sichtweise darauf, und das ist wirklich ziemlich cool.
Aber das Wichtigste, was ich jungen Musikern in Bezug auf das Üben mitgeben möchte, ist, dass es beim Üben nicht nur darum geht, die Noten und das Muster zu spielen und, wissen Sie, den Fingersatz herausfinden und ihn wieder und wieder und wieder spielen. Darum geht es gar nicht so sehr. Wenn Sie erst einmal die Grundlagen herausgefunden haben und wissen, welche Finger Sie auf der Gitarre oder dem Klavier oder der Geige oder was auch immer auf die Note legen wollen, dann müssen Sie üben, wie Sie sich fühlen wollen, wenn Sie sie spielen. Denn wenn Sie das Gefühl, das Sie haben werden, wenn Sie eine schwierige Passage spielen, nicht üben, stehen die Chancen gut, dass Sie vor einem Publikum, vor Ihren Klassenkameraden, die für jemanden spielen, und unter Druck stehen, versagen.
M: Wie sieht Ihr Setup aus?
JR: Es geht darum, das Potenzial von einem oder zwei Instrumenten zu maximieren. Ich stehe nicht auf einen Haufen Keyboards mit unterschiedlichen Sounds; ich ziehe es vor, mich in eine leistungsstarke Synthesizer-Workstation zu vertiefen. Für mich ist das der Korg Kronos, der für etwa 95% meines Sounds verantwortlich ist. Ich weiß, wie man ihn programmiert und nutze seine Synthesemöglichkeiten in vollem Umfang. Ich sample sogar Sounds aus anderen Quellen, z.B. wenn ich auf ein Glas klopfe oder ein virtuelles Lieblingsinstrument im Kronos manipuliere.
Ein weiterer Grund, warum ich bei einem Instrument bleibe, ist musikalischer Natur. Wenn Keyboarder zwischen verschiedenen Keyboards hin- und herspringen, kann das ihren Spielfluss stören. Deshalb verwende ich ein Pedal, um zwischen verschiedenen Klangkombinationen auf dem Kronos zu wechseln, ohne die Hände von der Tastatur zu nehmen. So kann ich reibungslos spielen und die gewünschten Sounds ohne Ablenkung erzielen. Während einer typischen Show nehme ich etwa 400 Soundwechsel vor, alle mit meinem treuen Kronos.
M: Womit haben Sie in der Musik zu kämpfen?
JR: Als Musiker denke ich, dass es wichtig ist, unsere Grenzen zu erkennen und ein musikalisches Vokabular von Dingen aufzubauen, die wir tun können. Ich habe bestimmte Dinge geübt und verschiedene Riffs gelernt, die wie meine Worte, meine musikalische Sprache geworden sind. Aber mein Vokabular hat eine Grenze, und ich lerne immer wieder neue Sichtweisen auf Musik aus der ganzen Welt kennen.
Die Anwendung meines Unternehmens heißt zum Beispiel GeoShred, die ich mit meinen Partnern an der Stanford University erfunden habe. Ich dachte, es würde den Menschen einen neuen Ansatz für das Biegen der Tonhöhe bieten, aber dann sah ich, wie Menschen in Indien es für karnatische Musik einsetzten und die Tonhöhe auf eine Weise kontrollierten, wie ich es nicht kann.
Ich versuche immer zu lernen und mich weiterzuentwickeln, aber manchmal ist es ein Kampf, wie das Erlernen des Gitarrenspiels, nachdem ich 59 Jahre lang Klavier gespielt habe. Aber wenn man etwas lernen will, muss man geduldig sein. Es ist wie das Erlernen einer neuen Sprache, was ich zu schätzen weiß, denn es ist nicht einfach und wahrscheinlich ein Kampf, aber wir müssen bereit sein, diese Wege zu gehen und andere zu akzeptieren.
M: Was ist Ihre Lieblingsfunktion in der Moises App?
JR: Es ist schwer, nur eine Lieblingsfunktion der Moises App auszuwählen, denn es ist die Kombination der Funktionen, die sie so erstaunlich macht, aber wenn ich mich entscheiden müsste, würde ich sagen, dass das Smart-Metronom ziemlich unglaublich ist. Wenn ich eine Audiodatei hochlade, ermittelt die App den Takt, ohne dass ich ihr eine BPM-Angabe machen muss, und ich habe noch nie erlebt, dass sie einen Fehler macht. Außerdem kann ich die Zeit halbieren oder verdoppeln und ein Metronom auswählen, das zu der gerade hochgeladenen Musik spielt. Das ist wirklich intelligent und innovativ.
Aber das ist noch nicht alles. Die Funktion KI-Audio-Trennung ist ein Wunder für sich. Nachdem ich die Spuren getrennt habe, kann ich die Lautstärke jedes Instruments mit einem eigenen Schieberegler ausgleichen. Und manchmal vergesse ich, dass die App auch die Akkorde perfekt im Takt anzeigt. Das macht die Dinge so viel einfacher für mich, vor allem, wenn ich virtuelle Duette machen möchte. Ich muss mir nichts aufschreiben - ich schaue mir einfach die Akkorde auf dem Bildschirm an.
Insgesamt finde ich die Benutzeroberfläche der App sehr übersichtlich und intuitiv.. Es ist aufregend, in einer Zeit so fortschrittlicher Musiktechnologie zu leben, und ich wache jeden Tag auf und bin gespannt darauf, was Moises noch so alles zu bieten hat.
M: Können Sie uns den letzten Künstler oder das letzte Genre nennen, das Sie in Moises gespielt haben? Warum haben Sie es ausgewählt?
JR: Das letzte, was ich in Moises eingegeben habe, war ein Lied von Jeff Beck. Das war interessant, weil er keinen Gesang hat, richtig? Es war also eine Art Test für die Trennung. Am einfachsten ist es, den Gesang, den Bass, das Schlagzeug und das Klavier zu nehmen, und das konnte ich als Werkzeug benutzen, weil ich es verlangsamen konnte und dadurch viel von dem herausnehmen konnte, was ich brauchte, den Hauptteil, den ich entfernen wollte.
Was etwas angeht, das ich der Öffentlichkeit präsentieren wollte, so war es ein Track von Matthews Pelli, der unglaublich gut funktioniert hat. Manchmal fragt man sich einfach: "Wow, wie macht er das?" Obwohl man mir ein wenig darüber erzählt hat, wie es funktioniert, möchte ich immer noch mehr wissen. Sie schicken Ihre Audiodatei ein, dann nehmen die Magier einen Zauberstab und schwenken ihn über die Audiodatei und dann schicken sie sie zurück an Sie und das funktioniert. Ich glaube, so muss es sein.
M: Was sind Ihre schönsten Erinnerungen an die Arbeit in der Musikbranche?
JR: Ich erinnere mich sehr gerne an meine Freunde an der Juilliard. Ich habe mich buchstäblich in einen Übungsraum geschlichen, der so weit wie möglich vom Studio meines Lehrers entfernt war, denn ich wollte nicht nur klassische Musik spielen, sondern auch Blues, Boogie-Woogie und Jazz.
Als ich etwa 13 oder 14 Jahre alt war, kam jemand an die Julliard School und suchte nach Pianisten, die für eine Fernsehwerbung für Johnson & Johnson's Band-Aids vorspielen sollten. Der Präsident der Juilliard School erzählte meinem Lehrer davon und meine Eltern und ich gingen zum Vorspielen. Als ich dort ankam, sah ich etwa 70 Schauspielerkinder und ein paar von Julliard. Sie baten mich, ein Musikstück zu spielen und es dramatisch zu gestalten, weil ich lange Haare hatte. Ich spielte ein Arrangement von Griegs Klavierkonzert und gewann das Vorsprechen, indem ich mich gegen alle Schauspieler durchsetzte.
Ich verbrachte einen Tag im Aufnahmestudio und spielte Klavier. Am nächsten Tag filmte ich im Plaza Hotel im großen Ballsaal, wobei ich im Frack vor einem neun Fuß hohen Klavier auf der großen Bühne des Ballsaals stand. Die ganze Erfahrung hat so viel Spaß gemacht. Der Werbespot kam heraus, und die Leute haben ihn gesehen. Er ist auf YouTube verfügbar und kann von jedem angesehen werden.
Der Beitritt zu Dream Theater war ein wichtiger Schritt, der mir die Welt geöffnet hat, denn wir haben an vielen Orten auf der ganzen Welt gespielt und mein Netzwerk an Freunden und Erfahrungen erweitert. In den Jahren, in denen ich mit Dream Theater gespielt habe, habe ich so viele Freunde kennengelernt und so viele Erfahrungen gemacht, als ich in interessanten Städten unterwegs war. Es war wirklich großartig und ich denke, was die Erinnerungen angeht, so sind die größeren Shows, die wirklich aufregend waren, am einfachsten zu behalten.
Es ist einfach so kraftvoll. Ich meine, wir haben gerade bei Rock in Rio in Brasilien gespielt und das war unglaublich. Ich weiß nicht, wie viele Menschen dort waren, etwa 80.000. Der Platz ist völlig überfüllt, so weit man sehen kann. Und der Rausch, dieses Gefühl der überwältigenden Energie der Menge, wenn Sie die Bühne betreten, macht Sie fast unfähig zu spielen. Es braucht viel Erfahrung, um nicht zu erstarren, und deshalb habe ich davon gesprochen, dass man die richtige Einstellung üben sollte, denn dieses Gefühl kann dazu führen, dass man sich verkrampft und nicht in der Lage ist, das zu tun, was man wirklich tun muss.
M: Wie möchten Sie als Musiker in Erinnerung bleiben?
JR: Das Wichtigste für mich ist, dass die musikalische Kommunikation, die ich mache, von Herzen kommt. Ich spiele viele verschiedene Arten von Musik, viel technische Musik, progressive Musik, alles Mögliche, aber wenn ich spiele und jemand etwas fühlt, das ihm sehr am Herzen liegt, das sein Wesen oder sein Herz erwärmt, ihn entspannt oder er einfach eine wirklich positive Erfahrung macht... Das ist es, was ich überdauern möchte.
Ich meine, es könnte die rockige Seite von dem sein, was ich mache, oder es könnte etwas sein, das ich am Klavier zeige, wo ich einfach nur nachdenke und die Musik herausfließt. Ich möchte, dass die Leute das mitnehmen. Als Musiker gibt es natürlich auch Dinge, die ich zurücklasse. Sie wissen schon, die Aufnahmen, die ich mache. Wenn es sie berühren kann - wenn es ihre Seele oder ihr Wesen erwärmen kann und sie sich deswegen an mich erinnern - dann bin ich wirklich glücklich.
M: Basic vs Bold?
JR: Wenn es um das Musizieren geht, glaube ich, dass es immer möglich ist, einen schönen Klang zu erzeugen, unabhängig von den technischen Fähigkeiten des Einzelnen. Ich ermutige Anfänger, sich darauf zu konzentrieren, einen schönen Klang zu erzeugen und nicht zu versuchen, etwas zu spielen, das zu schwierig für sie ist. Das absichtliche und konzentrierte Spielen einfacher Akkorde kann zu einem wirklich schönen musikalischen Ergebnis führen und sowohl für den Spieler als auch für den Zuhörer eine beruhigende Erfahrung sein.
Aber auch wenn es gut ist, auf Nummer sicher zu gehen, können wir das nicht immer tun, wenn wir wachsen und lernen wollen. Im Leben müssen wir bereit sein, uns Kämpfen zu stellen und offen für neue Erfahrungen zu sein. Der Kampf muss nicht schmerzhaft sein, aber er erfordert Geduld und die Bereitschaft zu lernen, ohne frustriert zu sein.
Ich persönlich arbeite derzeit an einer anspruchsvollen Gitarrentechnik, die Arpeggien über drei Oktaven beinhaltet, und es erfordert viel Geduld und Mühe. Aber mit Zeit und Übung weiß ich, dass ich mich verbessern und sie schließlich meistern kann. Alles in allem glaube ich, dass es für die Schaffung schöner Musik ein Gleichgewicht braucht, bei dem man auf Nummer sicher geht und sich selbst antreibt, zu lernen und zu wachsen.
Möchten Sie das vollständige Interview mit Jordan Rudess hören? Sehen Sie es sich unten oder auf unserem Youtube-Kanal an!
Bleiben Sie dran für weitere Interviews mit anderen einflussreichen Persönlichkeiten der Musikindustrie, in denen wir ihren kreativen Prozess, ihre Einsichten und Erfahrungen erkunden werden.
